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XII Panorama Internacional Coisa de Cinema – Segundo dia (10/11/2016)

Minotauro – Viagem ao Labirinto do Corpo

Uma peça instigante sobre o desenvolvimento humano. As etapas, do nascimento a morte, são retratadas como fases de videogame, onde o jogador pode abandonar ou continuar o jogo após sofrer um forte baque. As fases são, na verdade, performances artísticas que parecem simbolizar não só a natureza humana, numa progressão; sua fertilidade, vitalidade e a mais profunda sombra de angústia, medo e dor, representadas pela performance de uma criatura horripilante; dotada de máscara, chifres e espinhos nas costas.

Parece Pouco implementar os símbolos vindos do Videogame. Além de súbitos incrementos no ritmo e a metáfora central do Game over (Jogo encerrado), que se assimila a alguns momentos da vida de qualquer pessoa, soam como enfeites de modernidade mais fraca possível. Onde se entope de símbolos relacionados com um ideal de Juventude; algum produto, e se espera uma identificação, por parte do público.

Não passa de um filme sobre a vida. Tendo sim um mérito por alcançar isso de forma eficientes; pelas performances e motivos recorrentes. Sendo um filme simples e enfeitado sobre a experiência da vida.

Diretor(a): Leonardo França

A Cadeira de Balanço

Também um filme interessante, mas que poderia encerrar-se com essa descrição apenas. Sendo ele minimamente especial, simplesmente por ter uma migalha (estou sendo generoso aqui) de experimento formal.

Somos, durante maior parte do filme, aquilo que nos causa maior tensão. O objeto ou pessoa que chega na casa de um casal; implantado em uma espécie de aparelho que se assemelha a um micro-ondas. Um homem, ao lado da sua esposa, observam atentamente a esta coisa; o homem, porém, parece mais perturbado e envolvido. Nós, que ocupamos o lugar deste elemento perturbador; subjetivamente, não o observamos. E a tensão vem daí; de querer saber o que é esta coisa.

Paralelo a isso, tem-se os temas da maternidade, paternidade, distanciamento nos relacionamentos; pairando. Este conteúdo é organizado de forma simples, porém.

Um exercício eficiente de gênero. No que almeja, muito pouco, alcança com êxito.

Diretor(a): Fernanda Fontes Vareille

 

Ridículos

Com filmes como este há de se ter cuidado, pois de um lado são propostas interessantes; diversas; com variedade de estilos e formas. Uma maneira diferente de se realizar dentro do panorama, especialmente o baiano, de cinema.

Por outro são filmes com blocos de conceitos e formas extremamente repetidos de maneira a, dentro da sua variedade, criar uma monotonia quase que insuportável, e alterna momentos de força muito pequena, com algumas pérolas de muitas qualidades.

O filme parece ser uma espécie de cinema direto onde se capta uma entrevista de um candidato a uma vaga num grupo de palhaços; alternado a isso, as performances dos palhaços. A combinação desses estilos é feita; o suposto cinema direto (onde se pode ver câmeras e operadores de som, simulando uma situação real) e o cinema mais performático; câmera parada; tableau, onde, num plano mais aberto, vemos os palhaços pintarem e bordarem. A primeira muito mais interessante, já que se baseia na interação das pessoas, algo que forma uma base sólida capaz de ser fonte de dinamicidade constante.

A isto atribuo a interação dos indivíduos, todos de personalidade única; forte; rostos expressivos e condução das situações sempre de maneira a adicionar alguma novidade, de alguma forma.

As palhaçadas, ao contrário disso, são fontes recorrentes de repetição. O tipo de humor é o mesmo; físico. E sempre relacionado a mesma fonte; o desengonço dos palhaços, e de forma linear e única, sem adição de outras situações paralelas, e organizadas em estrutura repetitiva. Uma interação entre os indivíduos na entrevista é sempre seguida por uma performance. Dito isso, é como se assistíssemos uma pessoa levanto uma torta na cara cem vezes. Nas primeiras três, ri-se; nas noventa e sete seguintes, a reação é a mesma. De indiferença. Pelo menos para mim foi assim.

Entre algumas dessas interações, há momentos que tocam; para além do rir, se aproximando da natureza da performance, algo que é, em essência, agridoce; dual. A cena do corte do cabelo e da dança da palhaça comendo banana se enquadram ai.

Uma pena que quando se adentra perto da metade do filme, as performances mais repetitivas tornam-se excruciantes e acabam por obscurecer as partes mais interessantes.

Diretor(a): Paula Lice, Rodrigo Luna e Ronei Jorge

Confidente

A atmosfera da memória, em confidente, é constante. Por meio de filmes de arquivo de épocas que remetem ao inconsciente coletivo Brasileiro da infância (anos 40, 50, 60); uma nostalgia que temos dessas épocas que guardam um espaço especial na memória do povo deste país; cria-se uma atmosfera que captura uma parte desse sentimento.

Pena que o filme traz os vícios mais rasteiros do atual cinema experimental brasileiro. São rasteiros por que, se é filme experimental, tem de experimentar; e para mim, copiar a forma, por ela estar em uso constante, é a antítese do filme experimental e sinal de preguiça e mediocridade.

Então, muito do valor conseguido com os filmes de arquivo sobrepostas e o tema interessante, é deletado por uma narração absolutamente genérica e a montagem que repete imagens iguais, uma atrás da outra, muito rapidamente; forma que, se fosse maçã, já teria caído de podre, dentro do panorama atual.

Diretor(a): Karen Akerman e Miguel Seabra Lopes

Interdito

Um experimento bastante interessante e esteticamente belíssimo. Num plano único; estático, vemos um casal se aproximando, se abraçando e se beijando. No ínterim, um dos membros do casal ascende e apaga um isqueiro que, nas condições de uma praia escura, brilha em flash, se assemelhando a um farol.

Dessa maneira, pode-se interpretar como uma simples metáfora para a volubilidade das relações; mas o filme rapidamente se expande para além disso. A belíssima imagem do mar a noite; com quase nenhuma luz artificial (algo que, como realizador, gostaria de fazer diga-se de passagem); sombria e solitária; dá contornos da vulnerabilidade humana, misticismo e vaidade. Funciona como as sombras, no cinema Noir.

É incrível como alguns elementos trazem um turbilhão de significados e expandem um tema ou história de forma exponencial.

Diretor(a): Leon Sampaio

 

Cinema Novo

“Sou caçador de nuvens. Já fui caçado por tempestades”

A frase do eterno Presidente da câmera Federal e presidente da constituinte, Ulysses Guimarães é uma perfeita descrição do Cinema Novo; movimento cinematográfico brasileiro dos anos 60 e 70; examinado criativamente, com tons informativos e, majoritariamente poéticos, pelo documentário com o mesmo nome do movimento: “Cinema Novo”.

Sempre perseguidos; reféns de uma situação; mas dotados do amor mais profundo, os cineastas eram como heróis, assassinado um dragão a cada dia. Mesmo assim e, a partir disso, criaram filmes diversos, mas com pontos, imagens e temas que os uniam dentro da sua diferença.

É a partir deste viés que Eryk Rocha parece querer desbravar este movimento. A partir do seu “espírito comum”. Certamente é bastante exitoso, já que por isso só o filme já consegue atrair bastante, visto que a semelhança entre filmes diferentes é assustadora, e é fonte de atenção a todo tempo, dado o quão parecidas são as várias imagens e maneiras de retratar um gesto ou assunto.

As pessoas sempre parecem correr de algo ou utilizar da violência mais brutal umas com as outras. O mar, também, parece ser recorrente como símbolo da vontade de ir embora, ou da nostalgia de tempos que não voltam mais. Coisas que são recorrentes no Cinema Brasileiro.

Em meio a isso, há uma camada informativa de valor muito grande, onde se vê os realizadores falando de seus filmes e do seu cinema. Discutindo, cada um com o seu ponto de vista, sobre o panorama de cinema a época, histórias, estilos e o que pensavam a àquela altura sobre o cinema Brasileiro. Dessa maneira, percebe-se características do movimento que de outra maneira não seria possível perceber. A forma como o cinema novo foi fruto de um impulso de alguns indivíduos, da conjuntura socioeconômica brasileira dos anos 60 e de um “Vazio cinematográfico”, como chama Joaquim Pedro de Andrade, existente no Brasil, por exemplo. Isto quando se diz respeito ao cinema que se aproxima mais dos exteriores e, portanto, da realidade brasileira. Também, e não menos importante, que o cinema novo foi pioneiro entre o cinema moderno ao redor do mundo e, não só isso, criou uma própria forma; orgânica e absolutamente brasileira; mais pujante em expoentes como Glauber Rocha.

Tudo isso é grudado por um ritmo estável e relativamente rápido; além de forte, pois contrapõe imagens similares criando embates que fortalecem o aspecto da semelhança entre os filmes e ligam o cinema de diferentes realizadores e até de diferentes épocas, em um discurso que busca a evolução não só do cinema brasileiro, mas de seus temas, forma, histórias e modelo de produção.

Diretor(a): Eryk Rocha

Festival de Cannes, Primeiro Dia

Apesar do festival ter iniciado desde o dia 11 de maio, os participantes do ShortFilmCorner (esquina dos filmes), que é a categoria do meu filme Domingo, tiveram acesso ao festival apenas a partir do dia 16, quando foi aberto um espaço do festival para esta categoria.

Neste dia, além de conhecer boa parte dos meus conterrâneos e companheiros de categoria lá, assisti a três filmes e conheci um pouco mais do festival. A primeira impressão foi forte; visto que nunca estive no festival de Cannes, e a escala, jeitos, tamanhos e costumes me impressionaram.

Tudo dentro do festival é muito grande. O luxo é desnorteador, de maneira que é fácil se perder nisso, ainda mais se esta for a sua primeira vez no festival. A infraestrutura chama atenção para si mesma; e as companhias que as fornecem, parecem compartilhar um pouco do ideal do festival de Cannes; o diferencial, “produto de arte”, o bem acabado, etc… As logomarcas são estampadas por vários espaços do festival, corredores, paredes… lugares por onde passa muita gente. Nespresso, Renault, HP, etc…

Entre enormes estandes de companhias de cinema, agentes de compra e venda de filmes e pessoas notórias transitando; é possível se perder e sentir-se sem rumo. Num primeiro olhar, isto parece uma vantagem, um local fácil para vender os filmes. E de certa forma é; talvez não no meu caso, que vim com um curta metragem experimental, mas talvez para quem tem um longa rodado, realizado ou mesmo um projeto de longa metragem já todo idealizado. É algo que gostaria de tentar no ano que vem, se for ao festival com meu segundo curta metragem, o melhor dia do ano; que já foi todo rodado.

O que mais me chamou atenção, porém, foram duas situações que revelam um pouco mais afundo sobre o que é este festival.

A primeira é bastante caricata, mas bastante real. É possível avistar, 80% do tempo em que se transita pelas ruas próximas ao festival (que são muitas), pessoas carregando placas e papéis com súplicas por ingressos de premières; coisa que é necessária caso alguém não tenha credencial e queira assistir aos filmes. Alguns chegam a ser tragicômicos, apelando para o lado mais emocional, oferecendo abraços e beijos, e despertando, pelo menos em mim, pena desses indivíduos que ficam horas e horas em pé sem muito o que fazer.

A segunda situação, acontece apenas em uma faixa de horário. Mais por volta das 16:00-18:00, quando as primeiras pessoas bastante famosas começam a chegar (elas entram em carros de janela fumê e pelo tapete vermelho). Pessoas como Mel Gibson, Kristen Stewart e Woody Allen. Há sempre um enorme aglomerado de gente em frente a região em que ficam esses famosos, de forma que em horário de pico é perto do impossível transitar por ali (eu, sem saber disto num dos primeiros dias, consegui atravessar esse mar de gente, após centenas de “Excuse me” e “Pardon”).

Essas situações sempre causavam em mim uma espécie de epifania sobre a natureza do festival. Parece que Cannes tem mais haver com prestígio e a parte mais comercial, centrada nas figuras das estrelas, e cada vez mais menos com cinema. Mesmo que o festival tente se vender como um de elegância diferenciada, mais específica e refinada que Hollywood; dentro disso, Cannes parece ter criado seu próprio nicho; sua versão do sistema de estrelas, centrado em um padrão de filmes, atores, atrizes, diretores e diretoras. E o público parece acompanhar essas ideias, correndo atrás desses mitos fabricados.

 

Dos Filmes

 

Eu assisti a três filmes. Cinema Novo, filme de Eryk Rocha; Hissein Habré, a chadian tragedy, de Mahamat-Saleh Haroun e One Eyed Jacks, único filme dirigido por Marlon Brando.

 

Cinema Novo

 

O primeiro é um documentário experimental sobre o cinema novo. Experimental por que não busca uma abordagem objetiva sobre este cinema, mas criar uma espécie de ensaio que busca o sentimento de inquietação que aquele cinema buscava.

Nesse sentido, é um sucesso. A emoção ao ouvir a voz de gênios como Glauber Rocha (Pai de Eryk), Joaquim Pedro de andrade, Walter Lima Jr e Eduardo Coutinho é grande. São figuras centrais do cinema brasileiro e poetas que marcaram não só o cinema nacional, mas o mundial com sua sensibilidade, visão e violência na forma únicas.

Em meio a relatos desses indivíduos, no calor do momento, já que são relatos dos anos 60, 70  e 80, enquanto realizavam filmes. Eryk constrói uma poesia ao redor do que foi e do que significou esse movimento do cinema brasileiro. Mais do que isso, o cinema vira um personagem com seus medos, angústias e paixões., englobando ai, todos os cineastas que fizeram um cinema relevante nessas décadas.

A vontade de escapar; fugir. A desesperança, frustração, contradição e lamento são sentimentos construídos pelo filme de Eryk Rocha e que permeiam todos os filmes dos cineastas desta época. Todos eles parecem ter uma unidade poética, que traduzem sentimentos necessariamente brasileiros e que dizem respeito muito ao que se sentia durante aqueles anos neste pais.

 

Hissein Habré, a Chadian Tragedy

 

O documentário Hissein Habré, a chadian Tragedy, trás a história de um prisioneiro político, que foi torturado barbaramente durante a ditadura de Chade e criou um grupo para os companheiros também vítimas de tortura. Durante o filme, vários presos relatam episódios da sua experiência na prisão; compartilhando entre eles o enorme sofrimento e trauma que sentiram e sentem, advindos dos seus anos na prisão.

Presente na sala em que o filme foi projetado, em Cannes, o protagonista do filme foi aplaudido por pouco mais de 4 minutos ininterruptos. Emocionado, ele sorria e olhava as pessoas da sala; lisonjeado com o envolvimento e reconhecimento das pessoas, sem dizer uma palavra.

Isto foi uma síntese do efeito causado pelo documentário e do seu poder nas pessoas que o assistiram. A forma parece desaparecer, e o que resta é o conteúdo; afinal, a história de dor, tanto física como psicológica, quase insuportável que é colocada de lado, de uma certa forma, a favor da vida ou da tentativa de viver; é bela demais. E mesmo que a forma seja repetitiva, ou lugar comum, uma vez ou outra, isso cede a grande história de sofrimento e superação presente nas vítimas da ditadura militar no Chade.

 

One-Eyed Jacks

 

O terceiro, One-Eyed Jacks; foi uma retrospectiva. Como já dito, foi o único filme dirigido por Marlon Brando. Uma iniciativa promovida por Martin Scorsese e Steven Spielberg, junto a The Film Foundation (Fundação presidida por Martin Scorsese) para restaurar o filme.

O filme rodado em Vista Vision, processo de obtenção de uma imagem mais larga que o normal (Widescreen), que consistia em trocar o filme de lado. Em vez de ser rodado de lado, como geralmente era, o negativo era rodado de frente. Um processo que foi utilizado entre meados dos anos 50 e início dos anos 60, majoritariamente pela Paramount, estúdio que desenvolveu o processo.

One-Eyed Jacks foi o último filme a utilizar este processo. Reunindo, então, diversos fatores que se agregam para tornar este filme especial. Uma grande melancolia pareceu sempre pairar no fundo, advinda das próprias emoções dos personagens, talvez, mas que pra mim vem dos sentimentos daquela época e do próprio Brando, afinal os anos 60 foram uma época de grande insegurança tanto para os estúdios como para qualquer outra pessoa normal. E além disso, época de grande forças ideológicas e revoluções.

Essa grande paixão é sempre vista nos atos de todas as pessoas do filme. Cada olhar, cada arrastar de pé ou respiro contém uma enorme quantidade de violência e paixões contidas. Não tão somente pela direção de Marlon ou da sua aparição na tela, que é frequente, incandescente e absolutamente genial; mas, me pareceu, pela atmosfera da época.

Este parece ser um dos fatores únicos do filme. Um que não externo a ele. Além de ser o último filme em Vista Vision, último filme de Marlon Brando e uma de suas atuações mais explosivas; traz um sentimento não tão comum. Ainda mais sustentado por mais de duas horas. Nesse sentido, One-Eyed Jacks soa como um épico apaixonado, no sentido mais amplo, em que tudo e todos parecem guardar algum rancor, algum ódio ou alguma paixão e estão prestes a explodir da forma mais insana e brutal possível.

O Padre e a Moça

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Há algo de místico em O Padre e a Moça. Algo que se sente em alguns outros filmes; aqueles que dão os sentimentos mais esquisitos, mas que de tão peculiares torna-se difícil explicar com palavras o que se sente ao assisti-los. É inútil tentar estabelecer uma sistematização para traçar os porquês do filme causar o que causa. O texto vira, então, impressões do filme. O máximo que se pode fazer é tentar explicar o que foi experimentado e listar alguns dos aspectos que mais agradam, de forma que o crítico se torna, de certa maneira, impotente diante do cinema. Este parece ser o poder de um filme feito com verdade.

Dentre tudo o que mais encanta é a forma que a música parece refletir todos os outros aspectos dentro do filme e destacar a incrível melancolia presente no conjunto das ações e na concepção de destino, que me pareceu a grande força impulsionadora do filme. A peça de Carlos Lyra é arrebatadora no sentido de construir um sentimento de inevitabilidade diante do sentimento que os dois personagens apaixonados sentem, e na trajetória para concretizarem este amor.

No enterro do padre Antônio, a melodia transpõe uma grande melancolia; mas de escala épica. Como se aquele fosse um episódio chave, que é de fato, e inevitável para que a história siga. Ai parece se traduzir o ciclo da vida que se encerra na morte; e dela nasce um amor incontrolável e proibido. O padre e a moça, mesmo sabendo das consequências da sua relação, não conseguem conter seu amor, que soa como uma peça pregada pelo diabo nos dois amantes.

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Além deste grande entrevero para que o amor se concretize, há outras condições que o dificultam. Por exemplo, a natureza da cidade em que habitam os personagens. As pessoas da pequena cidade de São Gonçalo do Rio das Pedras veem cada passo dado por seus vizinhos e se não veem, ficam sabendo. Isso pelo tamanho da cidade que é brilhantemente ressaltado pela música que, ás vezes, remete a um sentimento provinciano.

Essas dificuldades percorrem todo filme e são destacadas pela fotografia de Mario Carneiro, que além de criar texturas e formas que remetem a uma cidade pequena do interior de Minas Gerais, como as ladeiras íngremes, paredes tortuosas e as sombras naturais que se misturam ao ambiente; também ajuda a construir a atmosfera que percorre a duração da obra. O alto contraste entre preto e o branco conta uma história em si mesmo, e o conflito proveniente desse embate se adiciona a tensão sexual que é tema central deste filme.

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Depois dessa longa jornada, o amor é consumado e morre no “fogo do inferno”; como se fosse o julgamento daqueles personagens por suas ações. O cineasta, porém, não “interfere” nisto. São os próprios moradores da cidadezinha que o fazem, como se fossem dotados de autoridade para tal. O encerramento vem por um trecho do poema de Drummond: “Ninguém prende aqueles dois,
Aquele um negro amor de rendas brancas”. Sugerindo uma continuidade metafísica aquilo e, num tom sombrio rodeado pelo preconceito e maldade humana, que, independente do fim que teve, o amor valeu a pena.

Nesta hora, me dou conta da genialidade da escolha que, acredito eu, é a principal para a construção da atmosfera do filme. Ao optar por filmar em São Gonçalo do Rio das Pedras, Joaquim Pedro de Andrade traz uma enorme carga de melancolia que é responsável por esta estranheza descrita no primeiro parágrafo. “Aqui não vem mais ninguém, padre. Tem muita serra pra subir. Descer pra ir embora é mais fácil”, diz Fortunato. Um lugar de imensa beleza, com gente sofrida, mas que parece parado no tempo, tanto nos costumes, como nas construções que ali estão imóveis por mais de cem anos.

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O Padre e a Moça (Brasil, p&b, 1965)

 

Direção: Joaquim Pedro de Andrade

Fotografia: Mario Carneiro

Roteiro: Joaquim Pedro de Andrade

Elenco: Helena Ignez, Paulo José, Mário Lago, Fauzi Arap, Rosa Sandrini

Duração: 90 min.